Bibliographies: 'Moda y arte' – Grafiati (2024)

Abstract:

Partindo da compreensão da Abordagem Triangular como caminho para elaboração de mundos por meio de interpretações de imagens, objetos artísticos e contextos, serão apresentados neste artigo alguns procedimentos arte/educativos desenvolvidos durante o curso de férias da Escolinha de Arte do Recife (EAR) no ano de 2020. A fim de registrar como a instituição vem atuando, primeiramente faremos uma breve contextualização histórica do surgimento da instituição e de suas perspectivas pedagógicas na contemporaneidade, para em seguida observarmos a atividade artística de estamparia com materiais alternativos. Apresentaremos como ocorreu o processo de formação estética e ética de crianças na EAR, como elas ampliaram suas percepções sobre as temáticas: Sustentabilidade, desigualdade social e Cultura local. No final, como será visto, guiado pelas técnicas de estamparia utilizadas por alguns artistas, o arte/educador promoveu experiências artísticas que prepararam previamente as crianças para a experiência do encontro presencial com a artista Iza do Amparo.

Abstract:

Convergências, trânsitos e contágios: os subtítulos que se seguem explicitam os movimentos que fazem deste texto a primeira angulação do ziguezague na dObra[s]. Convidado a comentar desfiles que se apropriaram de formatos e linguagens de instalações e performances[1], Motta elucida conceitos do campo das artes, ao mesmo tempo em que nos brinda com idéias instigantes e provocativas, muito bem-vindas para se pensar de modo nada simplista algumas relações entre arte e moda (...)

Abstract:

Acredito que todo mundo se sente meio perdido, perplexo, diante da multiplicidade das práticas artísticas contemporâneas. Tentando me livrar do inevitável “mas isso é arte” ou do irritante e arrogante bordão “até eu posso fazer isso”, e sem reivindicar qualquer argumento de autoridade, o que me ocorre lhes dizer é que a arte contemporânea é um canteiro de obras a céu aberto, coisa em construção, e nada existe de definitivo que se possa afirmar sobre ela – se é que ainda faz algum sentido dizer algo lapidar, seja sobre cultura, arte, sociedade, seja sobre nós mesmos (...)

Abstract:

Estou lendo, bem devagar, um pequeno e denso livro de Jorge de Albuquerque Vieira. Ele não me conhece pessoalmente, mas já cruzei com ele algumas vezes pela PUC. Sei que dá aulas na graduação do curso de Comunicação e Artes do Corpo, mas nunca assisti a nenhuma aula sua, apesar do entusiasmo com que ouço falar de suas aulas. O livro em questão se chama Teoria do conhecimento e arte, possui um subtítulo bem grande: Formas de conhecimento - arte e ciência, uma visão a partir da complexidade (...)

Abstract:

A exposição Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination (Corpos sagrados: moda e a imaginação católica), realizada pelo Metropolitan Museum of Arts and Costume Institute (MET) em Nova York, de 10 de maio a 8 de outubro de 2018, teve como objetivo promover a reflexão sobre o diálogo entre moda, religião e arte1 . A mostra esteve pautada em três elementos principais: trajes assinados por renomados estilistas que tiveram inspiração na arte sacra, a coleção de arte medieval do MET e peças raras do Museu do Vaticano, cedidas exclusivamente para a exibição. [...]

Abstract:

En este documento se presenta un acercamiento explicativo sobre la moda desde la estética, a través de un breve recorrido de las teorías que permiten el análisis de los objetos estéticos fuera del arte. Uno de enlaces más importantes de la relación moda-estética es el adorno, elemento significante dentro de los discursos culturales. Este fenómeno construye un sistema de producción dominado por la moda, la tendencias y sus estilos en una jerarquía de poder. Mientras que el arte se aleja de las masas, la moda populariza la producción de discursos estéticos validados por el marketing y el espectáculo.

Abstract:

Este artigo apresenta o conceito da partilha do sensível, do livro homônimodo filósofo contemporâneo Jacques Rancière, com o intuito de produzir novas formas devisibilidade e enunciação da moda contemporânea a partir dos seus aspectos estéticos epolíticos. Mais do que um sistema comportamental, a moda aqui será tratada como umamanifestação da linguagem comunitária, passível de ser lida mediante seus modos de sociabilidadee os efeitos que produz. Iniciamos nossa discussão abordando os principaisconceitos que aproximam a moda da arte, principalmente no que diz respeito à sua superfícieimagética. Depois, guiamo-nos pela noção de estilo, para entender como certosprocessos criativos da moda foram aprisionados pela ideia da homogeneização dos corpospor meio da linguagem. Aqui, mostramos a campanha I speak my truth, lançada em2019, pela marca de roupas Calvin Klein. Finalmente, colocamos a moda no plural e juntoda proposição da filosofia estética, lançamo-nos para uma conceituação das imagens emrelação aos seus processos de identificação, mediante os regimes ético, representativo eestético, em uma aproximação entre arte, moda e filosofia.

Abstract:

Este trabalho versa sobre o universo da arte tangenciado pela moda, sua efemeridade, pertencimentos e seus agenciamentos. Nesse contexto, busca-se exemplificar o quanto a moda e a arte estão intrinsecamente ligadas. O ponto de partida é a moda como experiência e expressão coletiva e/ou individual, principalmente em trajes e formas vestimentares, pois são esses que mais forte influência exercem sobre o homem, seu corpo, seu espaço e memória. Localiza-se esse processo de aproximação entre arte e moda no século XX, quando vanguardas romperam com o academicismo clássico, agregando à arte sinestesias de sistemas relacionais. Rejeitam-se intermitências escultóricas e pictóricas para dar lugar a linguagens que interagem com o espectador. Os dados do presente trabalho traçam o panorama da aproximação entre arte e moda, a partir de duas vertentes: a primeira demonstra como a arte busca, no traje, suas sinergias, influenciando-se e apropriando-se da sinestesia proporcionada pela roupa; a segunda, como a moda apropriou-se de elementos da arte, em busca de um reposicionamento como expressão e não somente consumo
This work discusses the art universe touched by fashion, its ephemerality, belongings and its relations. In this context, the purpose is to exemplify how fashion and art are inextricably linked. The starting point is fashion as an experience and as an expression, which can be collective and/or individual. Fashion is mainly comprised by clothes and raiment, because these are the forms that have more influence on the human, his body, his space and his memory, on this way the process of art and fashion approximation occurred in the Twentieth Century, when the vanguards broke down to the classic academicism bringing to art a intersection of feelings and relational systems. The sculptural and pictorial intermittent manifestations gave place to languages that interactes with the spectator. The data presented in this work show how art and fashion approached themselves, focusing on two slopes: the first one is how art seek on clothes its synergies, influencing itself and assuming the effects of the intersection of feelings created by clothes, and the second one is how fashion arrogated arts elements in order to be viewed as a way of expression and not only as an ordinary expenditure

Abstract:

A presente pesquisa estuda arte e moda buscando relacionar as duas áreas de conhecimento por meio das teorias interdisciplinares. A parte principal da pesquisa se concentra no estudo de três atos interdisciplinares ocorridos entre os artistas contemporâneos Stephen Sprouse, Takashi Murakami e Vanessa Beecroft produzidos em parceria com Marc Jacobs, diretor criativo da Louis Vuitton. Esses casos de estudo foram selecionados levando em conta o encontro entre moda e arte que busca enfatizar a ação benéfica da arte no produto de moda e da moda no campo da arte. A partir desses casos são levantadas questões pertinentes aos campos da arte, do design e da moda, evidenciando a troca entre eles, em que permeiam a complexidade que demanda um processo integrativo. Há interesse em investigar a qual tipo de interdisciplinaridade cada ato interdisciplinar atende, bem como estudá-los sob um olhar filosófico, sociológico e também sob algumas teorias da arte. Entende-se que o estudo interdisciplinar da moda relacionado a outras áreas concorre para formalizar a pesquisa neste campo.
This research studied art and fashion trying to relate the two areas of knowledge through interdisciplinary theories. The main part of the research focuses on the interdisciplinary study of three acts occurring among contemporary artists Stephen Sprouse, Takashi Murakami and Vanessa Beecroft produced in collaboration with Marc Jacobs, creative director of Louis Vuitton. These cases were selected taking into account the encounter between fashion and art that emphasizes the beneficial action of the art in fashion product and fashion in art. From these cases are raised issues pertaining to the fields of art, design and fashion, showing the exchange between them, in which permeate the complexity that demands an integrative process. There is interest in investigating which type of interdisciplinarity meets every act and study them under a philosophical, sociological look and also under some theories of art. It is understood that the interdisciplinary study of fashion related to other areas contributes to formalize research in this field.

Abstract:

This research was developed in Arts and Education Line/PPGE. Its purpose was to investigate aspects concerned to fashion-art interface discussion and its implications to build a nowadays visual arts teacher critical-esthetical view. The research subjects were four teachers to be from Visual Arts UFSM Graduation Course. By working this issue with teachers to be we longed for the possibility of thinking about conceptual changes in the way of boarding the theme. Fashion was considered as possibility generating element; and starting by that dialogue fashionart artistic interface can be considered as a common (or different) elements kit between these two knowledge areas. From that tension point between fashion and art we opted for an education theoretic reflection abroad to an art critical comprehension, based on Franz (2003) and Hernández (2002) conceptions, witch grants fashion as an articulator element to visual culture. The employed methodology was based on a qualitative abroad, assisted by participant observation, field diary and documental analysis. Through the investigation results we could attest how those teachers composed their view from practical experiences and conceptual questions about images witch relate fashion-art as well as the critical comprehension related to their own quotidian perception.
Esta pesquisa foi desenvolvida na Linha de Educação e Artes/PPGE. Objetivou investigar aspectos referentes à discussão da interface arte-moda e suas implicações, para a construção de um olhar crítico-estético do professor de Artes Visuais na contemporaneidade. Os sujeitos da pesquisa foram quatro professores em formação inicial do Curso de Licenciatura em Artes Visuais da UFSM. Ao trabalhar esta temática com professores em formação inicial, buscou-se a possibilidade de pensar em mudanças conceituais na forma de articular o conteúdo. A moda foi considerada como elemento gerador desta possibilidade e partindo deste diálogo, a interface artística arte-moda pode ser considerada como um conjunto de elementos comuns (ou díspares), entre as duas áreas de conhecimento. A partir destes pontos de tensões entre a arte e a moda, abordou-se uma reflexão teórica da educação para a compreensão crítica da arte, baseada nas concepções de Franz (2003) e Hernández (2002), no que confere a moda como elemento articulador na cultura visual. A metodologia empregada baseou-se em uma abordagem qualitativa, subsidiada por observação participante, diário de campo e análise documental. Com os resultados da investigação se pôde averiguar como o professor teceu seu olhar a partir de vivências práticas e questionamentos conceituais sobre as imagens que relacionam arte-moda, bem como, a compreensão crítica acerca da percepção do seu próprio cotidiano.

Abstract:

O projeto de mestrado apresentado tem como título “O uso da estampagem digital comoligação Arte/Moda”. Começa com um estudo sobre a história da estampagem desde aantiguidade, referindo os benefícios da técnica e a sua importância.No capítulo seguinte é feita uma abordagem específica à estampagem digital e os seusprocessos de criação, tocando em aspetos técnicos que contribuem para o produto final.De seguida existe um levantamento de alternativas à estampagem digital, mostrando de umaforma simplificada os seus processos de criação e uma pequena análise sobre os seus pontosfortes e fracos.Depois de uma avaliação sobre a estampagem digital e as suas alternativas, é feita umarelação entre Arte, Moda e Estampagem, dando alguns exemplos de como eles se misturam ese relacionam.Antes de passarmos à fase prática, é feito um levantamento atual de coleções onde sãoaplicadas a estampagem digital, uma análise do que foi feito num período de temporelativamente curto.Por fim são realizados painéis de inspiração, croquis e manipulações digitais em moldes comosuporte do produto final, onde é apresentada uma colecção.
The master's degree project submitted has as its title "the use of digital printing asArt/Fashion connection". It begins with a study of the history of printing since antiquity,referring to the benefits of the technique and its importance.In the next chapter is made a specific approach to digital printing and its processes ofcreation, playing in technical aspects that contribute to the final product.After, there is a survey of alternatives to digital printing, showing in a simplified form theircreation processes and a short analysis of its strengths and weaknesses.After an evaluation on digital printing and its alternatives, there is a relationship betweenart, fashion and printing, giving some examples of how they combine and relate to oneanother.Before we proceed to the practical work, is made a current survey of where collections areapplied to digital printing, an analysis of what has been done in a relatively short period oftime.Order panels are held by inspiration, sketches and digital manipulations in patterns as endproductsupport, where a collection is presented.

Abstract:

Mestrado em Criação Artística Contemporânea
Este projecto orienta-se em torno de um corpo simbólico de trabalhos que explora o processo de construção da identidade do indivíduo (hiper)moderno urbano.Com o desenvolvimento das tecnologias, a globalização e o crescimento das cidades, a construção da identidade tornou-se um processo fluido e mutável de acordo com as situações sociais. A moda e o consumo tornam-se agentes influentes neste processo, pois assumem o lugar das velhas ideologias, nomeadamente Igreja e Estado, e funcionam inseridos no paradigma do sistema capitalista de funcionamento. Nesta abordagem, a arte, para além da sua função de expressão cultural, surge como um reflexo dessas mudanças e inevitavelmente parte integrante do processo de consumo.Outro aspecto da construção da identidade é a questão do género, e como este se organiza nos tempos atuais, em conformidade com a vontade individual e o desejo, diante da organização da sociedade (hiper)moderna. A representação que surge, através da arte, de um novo modelo de género esexualidade múltiplos faz com que o campo artístico valide essa nova imagem de homens e mulheres através de sua representação. A substância deste trabalho é, assim, a reflexão sobre a questão da identidade e sobre como os factores que são responsáveis por este processo de construção se relacionam com a arte contemporânea.
This project is oriented around a symbolic work that explores the process of building the identity of the urban (hyper)modern man.With the development of technologies, globalization and urban growth, the construction of identity has become a fluid process and changeable according to social situations. The fashion and consumption become powerful actors in this process, assuming the place of old ideologies, e.g. the Church and theState, and being embedded in the paradigm of the capitalist system of operation. In this approach, the art comes in addition to its function of cultural expression, as a result of these changes and inevitably part of the consumption process.Another aspect of the construction of identity is the gender issue, and how it organizes itself in modern times, in accordance with the wishes and desires that rise amidst the organization of modern society. The representation that emerges, through art, this new, multiple model of gender and sexuality makesthe artistic field validate this new image of men and women through their representation.The substance of this work is thus a reflection on the question of identity and how those factors which are responsible for this process of construction relate to contemporary art.

Abstract:

O efêmero é prerrogativa do mecanismo Moda. Na atualidade, sua face espetacular deriva da necessidade da manutenção da máquina capitalista, onde a utilização do design se encarrega do obsoletismo programado, apontando para o supérfluo e o mascaramento cosmético. A busca incansável pelo ineditismo formal culmina na apropriação por elementos de artisticidade, que reconfiguram a funcionalidade do vestir, agregando ao hibridismo Arte e Moda a pessoalidade e a leitura individual próprias da Arte pós-moderna. Se no Império do Efêmero de Lipovetsky a individualidade comanda o circuito, nesta nova conformação percebemos que a valorização individualizada é permeada por valores coletivos do belo eterno e imutável de Baudelaire, em que a elevação de produtos inicialmente funcionais à categoria de Arte tem a capacidade de transpassar o tempo dos presentes corrediços da contemporaneidade, fazendo com que a moda vestida de Arte se esparrame em direção ao futuro da consagração, numa busca de permanência um pouco além de sua efemeridade inerente.
The ephemeral is the prerogative of Fashion mechanism. Currently its spectacular view derives from the necessity of maintaining the capitalist machine, where the use of design takes care of programmed obsolescence, pointing to the superfluous and masking \"cosmetic\". The endless quest for novelty culminates in the formal appropriation for elements of artistry, that reconfigure the functionality of the dressing, adding hybridity Art and Fashion personhood and their own individual reading of postmodern art. If in the \"The Empire of Fashion: Dressing Modern Democracy\" by Lipovetsky of individuality leads the circuit, this new conformation realize that valuing individual is permeated by collective values of \"eternal and immutable beauty\" by Baudelaire, where the elevation of functional products initially to the category of Art has the ability to pierce the time of these contemporary sliding, making the art dressed in fashion spread toward the future of consecration, in a quest to stay a little ahead of its time inherently ephemererity.

Abstract:

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1Sueli Garcia.pdf: 6414892 bytes, checksum: 080709bcee198e3d427042b81d9c3417 (MD5) Previous issue date: 2014-02-14
This thesis entitled "Art and fashion culture as the fundamentals of contemporary dress , has as the central hypothesis to question the act of dressing as the expression of the connections between art and fashion culture. The central idea was to investigate fashion and the importance at the formation of subjectivity as a way to develop the self-appearance to reveal the size of the self. The appearance reflects an understanding that the individual has about himself, but also his identity as a way of being. The symbolic issue and interdisciplinary in the fashion answers the expectations of the self on the process of creating a look that goes beyond functionality. The fashion on sphere of sensitive allows reflecting on the degree of the self that is our individual expression through images of clothing in public space. Therefore, the self-expressed by the individual through the appearance and the fashion stays in the world as a way of identity, that is, to express yourself.
A presente tese, intitulada Arte e cultura da moda como fundamentos do vestir contemporâneo , teve como hipótese central a questão do ato de vestir como expressão das conexões entre arte e cultura da moda. A ideia central foi investigar a moda e sua importância na formação da subjetividade como meio de elaborar uma aparência que revele a dimensão do autoconhecimento do indivíduo. A aparência reflete o entendimento que o indivíduo tem de si, como também de sua identidade como um modo de ser. A questão simbólica e a interdisciplinaridade da moda correspondem às expectativas do indivíduo no processo da criação de uma aparência que extrapola a sua funcionalidade. A moda na esfera do sensível nos permite refletir sobre o grau de autoconhecimento do indivíduo que se expressa por meio das imagens provenientes da vestimenta no espaço público. Portanto, o autoconhecimento expresso pelo indivíduo por meio da aparência e da moda o posiciona no mundo como um modo identitário de ser, isto é, de expressar o seu self.

Abstract:

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1Patricia Helena Soares Fonseca Rossi de Resende.pdf: 62523943 bytes, checksum: 784ac7497ee4509b2c9a1c082a463213 (MD5) Previous issue date: 2014-02-03
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This dissertation studies the fashion system development and its relationships with the art field. It analyses how the modern fashion system structure was founded by the Universal Exhibitions and the first department stores. It also shows how the fashion designers Charles Fréderic Worth e Paul Poiret built their artistic images, and states that these relationships were used to give an art status for their work. This research also verifies how the interdisciplinary practices of both Worth and Poiret established standards for the referred practices in contemporary fashion; it analyses the interdisciplinary dialogues present in fashion exhibitions located in art museums. It also considers the Arhem Mode Biennale and its connections with the fashion system and it concludes pointing out the importance of fashion exhibitions for the renewal and perpetuation of the fashion system.
Aborda a evolução do sistema de moda e sua relação com a arte. Analisa o surgimento das primeiras lojas de departamentos a partir da implementação das exposições universais e como ambas fundaram a estrutura do sistema de moda moderno. Demonstra como os estilistas Charles Fréderic Worth e Paul Poiret moldaram suas imagens de grandes criadores a partir da relação com a arte e seus atores, e argumenta como essas relações foram utilizadas para dotar seu trabalho comercial da distinção e status do objeto artístico. Verifica como as práticas interdisciplinares de Worth e Poiret estabeleceram parâmetros para as transferências de linguagens entre arte moda na contemporaneidade. Analisa essas transferências interdisciplinares a partir da instalação de mostras de moda em museus, nas últimas décadas do século XX. Aponta como essas mostras levantaram discussões das fronteiras ontológicas entre moda e arte. Finaliza com uma análise sobre as bienais de Moda de Arnhem e suas relações com a arte e o mercado de moda. Conclui estabelecendo a importância das mostras de moda para a renovação e perpetuação do sistema e do mercado de moda.

Abstract:

Made available in DSpace on 2015-04-16T15:18:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1arquivototal.pdf: 1722355 bytes, checksum: 0a0745e3a02cfd24b3e8abf67b72239a (MD5) Previous issue date: 2013-08-09
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
Este trabajo habla de conexiones entre moda y artes visuales. No se trata de la moda como sector productivo de bienes de consumo y nuevas necesidades, y sí de la moda como un campo creativo de gran poder de comunicación, capacidad que el estilista Ronaldo Fraga, reconoce y se apropia con maestría para discutir, por medio de sus colecciones, asuntos que atraviesan la vida cotidiana de la sociedad urbana contemporánea. Notamos que los temas abordados por el estilista, así como sus prácticas y actitudes, tocan el eje del arte, que se constituyó en una fusión entre arte y vida, en los años sesenta. Para investigar si, de hecho, esas aproximaciones se confirman, seleccionamos la colección Corpo Cru, por señalizar un abordaje sobre el cuerpo que partió de cuestiones suscitadas en estos referidos años y que aún repercuten hoy en día. Utilizamos el método de Análisis del Discurso, para que imágenes y conversaciones pudiesen verificar la legitimidad de nuestra proposición.
Este trabalho fala de conexões entre moda e artes visuais. Não se trata da moda enquanto setor produtivo de bens de consumo e novas necessidades, e sim como um campo criativo de grande poder de comunicação, capacidade que o estilista Ronaldo Fraga, reconhece e se apropria com maestria para discutir, por meio de suas coleções, assuntos que atravessam a vida cotidiana da sociedade urbana contemporânea. Percebemos que os temas abordados pelo estilista, tanto quanto, suas práticas e atitudes tocam o eixo da arte, que se constituiu numa fusão entre arte e vida, nos anos 1960. Para investigar se, de fato, essas aproximações se confirmam, selecionamos a coleção Corpo Cru, por sinalizar uma abordagem sobre o corpo que partiu de questões suscitadas nestes referidos anos e que ainda reverberam nos dias atuais. Utilizamos o método de Análise do Discurso, para que imagens e falas pudessem verificar a legitimidade de nossa proposição.

Abstract:

Magíster en artes con mención en teoría e historia del arte
Este trabajo de investigación nace desde la pregunta ¿es la moda una representación artística? Primero, desde un interés personal por esta disciplina, la moda, el diseño de vestuario e indumentaria y, porque la moda es un fenómeno que se está desarrollando como tema contemporáneo, adquiriendo dimensiones interesantes de analizar y reflexionar, su desarrollo desde el arte contemporáneo. Como lo plantea la pregunta, hay que identificar dos campos temáticos y el roce, cruce e intersecciones que entre ellos se produce. Esta relación nos propone abordar varios conceptos identificables, en primera instancia como son: estética, lenguaje, creación, superficie, museo, consumo, entre otros que irán apareciendo durante el desarrollo del trabajo.

Abstract:

Abstract The restoring forces on membranes are due to the applied tension, while the restoring forces for plates are due to the flexural rigidity of the plate’s material. The transition to two dimensions introduces some features that did not show up in our analysis of one-dimensional vibrating systems. Instead of applying boundary conditions at one or two points, those constraints will have to be applied along a line or a curve. In this way, incorporation of the boundary condition is linked inexorably to the choice of coordinate systems used to describe the resultant normal mode shape functions. For two-dimensional vibrators, two indices are required to specify the frequency of a normal mode, fm,n, with the number of modes in a given frequency interval increasing in proportion to the center frequency of the interval, even though that interval remains a fixed frequency span. It is also possible that modes with different mode numbers might correspond to the same frequency of vibration, a situation that is designated as “modal degeneracy.” A membrane’s response to sound pressures provides the basis for broadband condenser microphone technology that produces signals related to the electrical properties of that capacitor and the charge stored on its plates.

Abstract:

Debido al rampante desarrollo tecnológico, y los cambios en la forma de entender nuestro día a día, han surgido nuevos abordajes explicando el ahora, la “liquidez” y la “ligereza”, términos acuñados por Gilles Lipovetzky y Zygmund Bauman, son una constante en diversas áreas del conocimiento, filosófico, artístico, sociológico, tecnológico incluso económico. El lenguaje se transforma por una necesidad, que refleja un profundo cambio en la sociedad. En este trabajo se analiza como estas descripciones de nuestra realidad, como “fake news”, “binge wathching”, “retropia”, “bullying”, “polite sex”, “pendulum liberty”, y, específicamente como características de las Diosas primigenias y el imaginario femenino de nuestros días, se retoman con fuerza en ámbitos de las artes plásticas , la mass media y los videos y videojuegos. Hemos clasificado a las generaciones como baby boomers (1946 – 1964), millenials generación Y, generación X (1980–2000) y ahora la generación líquida( 2000-2019). Como se ve el mundo líquido, por un no líquido y un líquido. Enormes diferencias en la forma de entender el mundo que nos rodea y sus características, en todos los ámbitos, y específicamente, motivo de esta investigación, específicamente se refiere a el cuerpo femenino, el amor líquido y sus vínculos con el arte. Como entender al que ha nacido líquido, su relación con el amor, las relaciones efímeras y como esto se ve reflejado en el arte. Las transformaciones en el entendimiento del cuerpo femenino, como ejemplos señalo el extendido uso del los tatuajes, la cirugía plástica y las costumbres hípsters, como se ve la moda en las nuevas diosas primigenias, las actitudes de la generación líquida ante los vínculos humanos, el análisis de las relaciones on-line, la transformación de la agresividad “el bullying “ la inestabilidad emocional y su reflejo en el arte líquido.

Abstract:

El texto introduce un debate sobre el cuerpo y el vestir al dialogar con las incertidumbres y las complejidades de la vida cotidiana plural, centrándose en las inquietudes y las subjetividades corpóreas del movimiento en el espacio. Se destaca esta experiencia con la estructura que elabora el vestir, en el instante en que se evidencia la visceralidad del cuerpo, durante la percepción de los aspectos sensitivo-cognitivos. Entre las referencias se observa el corsé, una pieza del vestuario femenino del siglo XIX, cuya estructura interfería en la postura y el movimiento, modelando la silueta y requiriendo una organización corporal, que se vinculaba a las reglas sociales y culturales de comportamiento. Este proyecto interpela a la experiencia del cuerpo femenino con el vestir y las imposiciones actuales, que están camufladas o son nebulosas, pero que interfieren en la experiencia del cuerpo. De este interrogante surge el vestible denominado Feeling the Senses, investigación que comenzó en 2016, como una propuesta que articula, tanto en el proceso como en la realización, los campos del arte, el diseño y la tecnología. Del debate y la producción surge un equipo multidisciplinario de investigadores, que forman el grupo de investigación diseño y cuerpo: aspectos del proyecto en el arte y la moda, coordinado por Agda Carvalho. Con una aproximación que se centra en la no linealidad de los comportamientos y en la inestabilidad de los espacios, la estructura busca soluciones que mezclen la rigidez y la flexibilidad del entorno. La materialidad y el diseño estimulan un aspecto rígido, pero los movimientos corpóreos exponen la situación inestable que rodea lo cotidiano del cuerpo y del vestir. Esta estructura también interfiere en la postura, el movimiento y la organización corporales, modelando en la silueta femenina las reglas sociales, respondiendo a las continuas modificaciones y reorganizaciones contemporáneas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4941

Abstract:

La joyería es una de las manifestaciones artísticas que más exprime la identidad de un pueblo, sus creencias, valores y preferencias estéticas. Por esto el estudio de la joyería mexicana en la actualidad nos puede darnos una visión panorámica de cómo la globalización ha cambiado la concepción, el uso y el consumo de este producto artístico. A partir los opuestos procesos de “desterritorialización”, por parte de las manobras de la economía global, y de “reterriorialización” como respuestas de las realidades locales, delinearemos alcunas emblemáticas situaciones que la joyería mexicana está viviendo. La desterritorialización conlleva radicales cambios en la definición de arte popular, ámbito al que la joyería tradicional pertenece; efectivamente el “valor moda” que las multinacionales aplican a su producción hizo de la joyería comercial la principal joyería popular en México. Mientras que la joyería hecha por el pueblo se convierte en un producto elitista por un mercado exclusivo y de coleccionismo, o por el otro lado, en su manifestación más sencilla, se convierte en un suvenir para el turista. Entre los efectos prominentes de la reterritorialización hemos averiguado la exaltación del mexicanismo hasta convertirse en “auto exotismo”. Este proceso está evidente en la recuperación de los símbolos y cualidades apotropaicas de la joyería prehispánica por parte de neo-chamanes, artesanos y artistas como reafirmación de la propia cultura original. Es en este último caso que surge la Joyería Contemporánea mexicana, cuyo análisis nos hará reflexionar sobre como actúa la influencia mediática de los fenómenos artísticos internacionales en los contextos locales.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5744

Abstract:

Desde que las primeras mujeres comenzaron a representar escenas de caza en las paredes de las cuevas, el Arte se ha valido de los métodos y procesos de la Ciencia. En la postmodernidad, su discurso se ha vuelto cada vez más complejo, autorreferencial y, en cierto sentido, axiomático: el Arte se presenta como un axioma del Arte. Expresado en términos análogos a los planteados en el teorema de incompletitud de Gödel, podemos afirmar que hay proposiciones del sistema del Arte que no son decidibles dentro del propio sistema. El objeto de AXIOMA es construir una teoría axiomática del sistema del Arte basada en la formulación de Zermelo-Fraenkel. Tal sistema queda definido por su lenguaje, sistema de axiomas y sistema lógico. El lenguaje está formado por términos, que designan objetos del sistema, y fórmulas, que representan aserciones sobre estos objetos. El sistema lógico permite inferir proposiciones y, en un principio, lo asumiremos dado de modo intuitivo. En realidad, AXIOMA es un imposible, como lo fue el programa de Hilbert. La meta de este programa era encontrar un conjunto de axiomas para la aritmética que cumpliera las cuatro propiedades siguientes: (1) Consistencia: no puede demostrarse un enunciado y su negación a partir de los axiomas. (2) La validez de cualquier demostración basada en esos axiomas debe ser verificable en un número finito de pasos. (3) Cualquier enunciado o su contrario debe ser demostrable a partir de los axiomas. (4) La consistencia de los axiomas debe ser verificable en un número finito de pasos. El primer teorema de incompletitud de Gödel establece que si se cumplen (1) y (2), entonces (3) nunca puede cumplirse. Aunque AXIOMA es un proyecto abocado al fracaso, esperamos que sirva para arrojar algo de luz sobre algunas afirmaciones en relación al sistema del Arte.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4617

Abstract:

Na constituição de uma coleção museológica de obras de arte, as escolhas estão pautadas na relevância histórica do nome do artista, do período, da técnica, do estilo. De acordo com os historiadores Giulio Carlo Argan e Maurizio Fagiolo, uma obra é vista como obra de arte quando tem importância na história da arte e contribui para a formação e desenvolvimento de uma cultura artística. E a constituição de uma coleção museológica de fotografias, em quais critérios estão pautadas as escolhas? De que modo a história da fotografia está articulada à história da arte? Como objeto de análise está a Coleção PirelliMasp de Fotografia, a partir da qual proponho pensar de que modo são elaborados discursos para a inserção de imagens fotográficas em uma determinada cultura artística moderna.

Abstract:

The transportation sector accounts for 24% of global greenhouse gas (GHG) emissions (IEA 2020). Road transport is the most utilized mode because of its convenience (Van Essen 2008). However, it is also the most emissions intensive mode, accounting for 75% of global transport GHG emissions, with roughly 44% coming from road passenger vehicles alone (IEA 2020).

Abstract:

In some disciplines nearly all publications based on SNSF-funded research are in open access mode, in others still only a few. Overall, the share of open access publications is growing slowly but steadily.

Abstract:

We use a total survey error approach to examine and make recommendations on how to adjust for non-sampling error in longitudinal, mixed-mode surveys. Using data from the National Crime Victimization Survey (NCVS), we examine three major sources of non-sampling error: telescoping, mode effects, and fatigue. We present an assessment of each source of error from a total survey error perspective and propose alternative adjustments to adjust better for this error. Findings suggest that telescoping and fatigue are likely sources of error in the NCVS, but the use of mixed-modes is not. Furthermore, both telescoping and fatigue are present in longitudinal surveys and accounting for one but not the other results in estimates that under- or overestimate the measures of interest—in this case, the rate of crime in the United States.

Abstract:

Surveys with samples selected from an address frame derived from US Postal Service sources are often referred to as address-based sampling (ABS) surveys. For an ABS survey that is primarily conducted by mail, web, or face-to-face, sometimes it is helpful to have a telephone number corresponding to the sample addresses for setting appointments or conducting nonresponse follow-up prompts. The usefulness of a telephone contact mode in a mixed mode ABS design depends on both the percentage of addresses for which telephone numbers can be appended (append rate or match rate) and the accuracy of the telephone numbers associated with addresses. Before planning a telephone contact as part of a mixed-mode study, the designer should know the likely effectiveness of the approach. This paper focuses primarily on append rate information, with a discussion of accuracy rates. For a single ABS frame, telephone match rates vary by geography, address type, match vendor, and by landline vs. cell telephone number. Using very large samples of addresses from a total US ABS frame, we estimated state and national telephone append rates from Marketing Systems Group's sources. The append rates are summarized here and interactively at the website http://abs.rti.org/atlas/.

Abstract:

Vegetation inventory and mapping is a process to document the composition, distribution and abundance of vegetation types across the landscape. The National Park Service’s (NPS) Inventory and Monitoring (I&M) program has determined vegetation inventory and mapping to be an important resource for parks; it is one of 12 baseline inventories of natural resources to be completed for all 270 national parks within the NPS I&M program. The Mojave Desert Network Inventory & Monitoring (MOJN I&M) began its process of vegetation inventory in 2009 for four park units as follows: Lake Mead National Recreation Area (LAKE), Mojave National Preserve (MOJA), Castle Mountains National Monument (CAMO), and Death Valley National Park (DEVA). Mapping is a multi-step and multi-year process involving skills and interactions of several parties, including NPS, with a field ecology team, a classification team, and a mapping team. This process allows for compiling existing vegetation data, collecting new data to fill in gaps, and analyzing the data to develop a classification that then informs the mapping. The final products of this process include a vegetation classification, ecological descriptions and field keys of the vegetation types, and geospatial vegetation maps based on the classification. In this report, we present the narrative and results of the sampling and classification effort. In three other associated reports (Evens et al. 2020a, 2020b, 2020c) are the ecological descriptions and field keys. The resulting products of the vegetation mapping efforts are, or will be, presented in separate reports: mapping at LAKE was completed in 2016, mapping at MOJA and CAMO will be completed in 2020, and mapping at DEVA will occur in 2021. The California Native Plant Society (CNPS) and NatureServe, the classification team, have completed the vegetation classification for these four park units, with field keys and descriptions of the vegetation types developed at the alliance level per the U.S. National Vegetation Classification (USNVC). We have compiled approximately 9,000 existing and new vegetation data records into digital databases in Microsoft Access. The resulting classification and descriptions include approximately 105 alliances and landform types, and over 240 associations. CNPS also has assisted the mapping teams during map reconnaissance visits, follow-up on interpreting vegetation patterns, and general support for the geospatial vegetation maps being produced. A variety of alliances and associations occur in the four park units. Per park, the classification represents approximately 50 alliances at LAKE, 65 at MOJA and CAMO, and 85 at DEVA. Several riparian alliances or associations that are somewhat rare (ranked globally as G3) include shrublands of Pluchea sericea, meadow associations with Distichlis spicata and Juncus cooperi, and woodland associations of Salix laevigata and Prosopis pubescens along playas, streams, and springs. Other rare to somewhat rare types (G2 to G3) include shrubland stands with Eriogonum heermannii, Buddleja utahensis, Mortonia utahensis, and Salvia funerea on rocky calcareous slopes that occur sporadically in LAKE to MOJA and DEVA. Types that are globally rare (G1) include the associations of Swallenia alexandrae on sand dunes and Hecastocleis shockleyi on rocky calcareous slopes in DEVA. Two USNVC vegetation groups hold the highest number of alliances: 1) Warm Semi-Desert Shrub & Herb Dry Wash & Colluvial Slope Group (G541) has nine alliances, and 2) Mojave Mid-Elevation Mixed Desert Scrub Group (G296) has thirteen alliances. These two groups contribute significantly to the diversity of vegetation along alluvial washes and mid-elevation transition zones.

Abstract:

Research participants are required to give their consent to participate in clinical trials and nonexempt government-funded studies. The goal is to facilitate participant understanding of the intent of the research, its voluntary nature, and the potential benefits and harms. Ideally, participants make an informed choice whether to participate; one that is based on having sufficient relevant knowledge and that is consistent with their values and preferences. Achieving this objective can be challenging, and as such, many scholars have declared the consent process flawed or “broken.” Moreover, clinical trials are complex studies, and compelling evidence suggests that current consent processes are inadequate in achieving informed choice. E-consent offers a dynamic, engaging consent delivery mode that can effectively support making informed decisions about whether to participate in a trial.

Abstract:

Numerous extant studies are dedicated to enhancing the safety of active transportation modes, but very few studies are devoted to safety analysis surrounding transit stations, which serve as an important modal interface for pedestrians and bicyclists. This study bridges the gap by developing joint models based on the multivariate conditionally autoregressive (MCAR) priors with a distance-oriented neighboring weight matrix. For this purpose, transit-station-centered data in Los Angeles County were used for model development. Feature selection relying on both random forest and correlation analyses was employed, which leads to different covariate inputs to each of the two jointed models, resulting in increased model flexibility. Utilizing an Integrated Nested Laplace Approximation (INLA) algorithm and various evaluation criteria, the results demonstrate that models with a correlation effect between pedestrians and bicyclists perform much better than the models without such an effect. The joint models also aid in identifying significant covariates contributing to the safety of each of the two active transportation modes. The research results can furnish transportation professionals with additional insights to create safer access to transit and thus promote active transportation.

Abstract:

In the practice of a teacher-psychologist at the School of Distance Education, the game “Sign me up as an astronaut”, developed by the author, was tested, aimed at developing the skills of social and psychological interaction in younger adolescents with disabilities through the awareness and strengthening of personal resources by means of game psychocorrection. The specifics of the work of a psychologist at the School of Distance Education are determined by the following circumstances: - students have a severe disability and the corresponding psychophysical characteristics: instability of the emotional-volitional sphere, lack of motivation, severe physical and mental fatigue, low level of social skills, etc. - the use of distance educational technologies in psychocorrectional work; - lack of methodological recommendations for psychocorrectional work in conditions of distance technologies with school-age children. Such recommendations are available mainly for adults, they relate to the educational process, but they do not cover the correctional process. There is enough scientific and methodological literature on psychological and pedagogical correction, which is the basis for ensuring the work of a practicing psychologist, but there are difficulties in transferring these techniques, games, etc. - to the remote mode of correctional and developmental work, especially in the form of group work. During the game, various social and psychological situations are solved, which are selected strictly according to the characteristics of the social experience of the participants.